In the mid 1990’s, she embraced the context of natural science as a key aspect of our knowledge base. “Art & Science/Investigating Matter”(1995) turns to laboratories and the instruments used in them. The subjects are chilling yet surprisingly domestic in feel-major cancer research samples in ordinary plastic cups. A similar dynamic is in effect in her series “Museum Pieces”(1999). Here she photographed tools and hardware used for the protection, transportation, and documentation of works in museums, a behind the scenes look at the elements that literally support important cultural artifacts.

In the years following, Wagner’s explorations expanded into more diverse subject matter and methods. For the “Cross Sections”(2001) series, she used medical imaging devices, such as MRI equipment, to photograph ordinary organic materials. Her images of pomegranates, for example, become a sequential cycle that merge abstraction and the kind of typological photographic practice that was pioneered by Bernd and Hilla Becher in the 1960s. They photographed examples of a classified group, a water tower, for example, each from the same perspective, highlighting the similarities and differences of the subject. The typological depiction objectively considers its subjects from a neutral position, as social and cultural reflections.

A Narrative History of the Light Bulb(2006)
Wagner’s “A Narrative History of the Light Bulb” series acknowledges photographic typologies, though is tempered by the artist’s subjectivity and formal aesthetic. These works draw from her long-term interest in the phenomenon of light. During a two-year residency at the Baltimore Museum of Industry, Wagner worked with a collection of more than 50,000 vintage light bulbs, some dating from early 19th century. With a keen eye towards the still life paintings of Italian artist Giorgio Morandi(1890-1964), Wagner cataloged and organized the collection into groups by indexing both a chronological and chromatic order as seen in photographs such as The 1890’s, Ode to Yves, and Green Energy. By arranging these scientific products as objects in a still life, the artist reveals their formal beauty-they become mysterious sculptural elements. The series embodies both an obsessive intent to record history and a knowing use of metaphor. The bulbs are arranged in ways that suggest models of cityscapes and the contours of mountain ranges, forms that bring to mind technology’s role in sustaining culture. Photographed with an 8x10 Large Format camera, the images reveal the smooth texture of glass enclosures and the delicate filaments in stunning detail.

Trans/literate(2013)
Her recent work, “Trans/literate”, is a typological series of photographs of Braille books presented as diptychs. Each of the works depicts a closed book on the left, and a book with open pages on the right. Like the decline of paper books, Braille publishing is facing extinction due to the popularity of alternative forms such as audio books. The term transliteration means the conversion of a text from one script to another, and here it relates to Wagner’s interest in how human knowledge is transferred and communicated. Each pair of Braille photographs is encased in glass boxes like sculptural objects. The images are richly detailed in resolution, so the tactile quality of the Braille and the colored cloth book covers generate an impulse for the viewer to touch-yet it is sealed behind glass. From the opened books on the right, viewers expect textual clues as to the content, but the information is only accessible through touch. Wagner points to the accessibility of knowledge with these works. Ironically, the blind who can read these books can’t see the photograph (though they can touch a title inscription in Braille at the bottom of each piece), while the viewer can’t read the braille in the photograph. The diptych juxtaposition of legibility and comprehensibility offers a rich reflection on our conception of knowledge.

Hyun Jung Kwak, Curator

A Narrative History of the Light bulb
와그너는 2006년, 사진작가로서 가졌던 '빛'에 대한 근원적 관심에서 비롯된 " A Narrative History of the Light bulb)" 시리즈를 선보인다. 작가는 볼티모어 산업박물관 Baltimore Museum of Industry과 이 년간의 협업 과정에서 19세기 초 생산된 미국의 초기 전구들을 비롯해 오만 점 이상의 빈티지 전구들을 접하게 된다. 수많은 종류들의 전구들을 [Ode to Yves], [Green Energy], [The 1890s]와 같은 작품의 제목들처럼 색에 따라 분류를 하거나 시대별로 무리를 나누어 촬영한 이 작품들은 이탈리아 화가 조르지오 모란디(Giorgio Morandi, 1890-1964)의 정물화의 전통에 기대고 있다. 작가는 과학기술의 산물인 전구들을 마치 정물화의 오브제들처럼 배열하여 전구들이 가진 아름다움이 자연스럽게 드러날 수 있도록 의도하였다. 8x10 대형 카메라로 촬영하여 유리 표면의 질감과 섬세한 필라멘트까지 생생하게 잡아낸 이 사진 속에는 유형학적 사진가들이 가진 냉철한 역사적 기록의 태도와 동시에 작가의 흥미로운 은유가 함께 녹아 있다. 컬러나 연대, 미적 특징에 따라 분류된 작품들 중 파란색 계열의 전구들을 찍은 [ODE TO YVES]는 이브 클레인에 대한 오마주를 의미하며, [UTOPIA]는 빼곡한 빌딩숲처럼 이상적인 도시의 모습을 연상시킨다. 초록색 전구들로 구성된 [GREEN ENERGY]는 지속가능한 에너지 기술에 대한 사회적 요구와 자연 환경을 상징한다.

Trans/literate
캐서린 와그너의 최근작인 'Trans/literate', 점자책 시리즈는 책의 닫혀진 모습과 펼쳐진 모습, 두 장의 사진이 한 작품으로 구성된 딥티크(diptych)형식을 취하고 있다. 점점 사라져가는 종이책과 마찬가지로 오디오북으로 대체되며 사라질 위기에 처한 점자책을 소재로 작가는 무엇을 말하고 싶은 것일까? '한 문자를 다른 문자로 옮겨 쓰다'라는 뜻을 가진 'Trans/literate'이란 제목은 인간의 지식이 어떻게 전이되는가에 대한 작가의 관심을 드러낸다. 유리 박스 안에 마치 조각처럼 자리잡은 사진은 손으로 만져 보고 싶을 만큼 극사실적인 느낌을 주는데, 왼쪽의 닫혀진 책의 이미지는 아무 글씨도 없이 그저 추상적인 색면의 형태로 다가온다. 오른쪽의 펼져진 책에서 관객들은 책에 대한 어떠한 단서를 기대하지만 역시 아무런 정보도 얻을 수가 없다. 여기서 지식의 접근성(access to knowledge)대한 작가의 은유가 드러난다. 점자를 읽는 맹인들은 이 사진들을 볼 수 없고, 사진을 보는 관객들은 사진 속 점자책을 읽을 수 없는 아이러니한 사실을 알아채는 순간 우리는 작가가 의도한 딥티크 형식의 필연성을 깨닫게 된다. '볼 수 없음'과 '볼 수 있음'을 대비시키고 '알 수 없음'과 '알 수 있음'을 대비시킨 이 작품은 책이라는 대상을 통해 우리가 얻어온 '지식'의 개념을 다양한 층위로 확장시킨다.

캐서린 와그너의 사진들은 그 소재가 전구이건 점자책이건상관없이 공통적으로 극사실적 아름다움을 내포한다. 작가가 사용하는 8x10 대형카메라는 인간의 시각이 인지하는 범위 이상의 디테일을 잡아내며 이러한 결과는 우리가 평소에 익숙히 보아왔던 평범한 사물들을 전혀 낯설고 흥미로운 것으로 관찰하게 하는 힘을 가진다. 사물에 접근하는 작가의 개념과 아이디어, 그것을 바라보고 기록하는 형식을 통해 우리는 박제된 인식을 깨고 그 사물에 대한 본질적 의미에 대해 다시 생각하게 되는 것이다. 이는 감각적이고 화려한 사진 기술로 다다를 수 없는, 사진을 단순한 기록물이 아닌 예술의 영역에 머물 수 있게 하는 중요한 특성이며, 캐서린 와그너가 오랜 세월 그의 작품 속에 견지해 온 단순하고도 명쾌한 명제이다.

글_곽현정 큐레이터