In my work, abstraction is a questioning process. It is a way of undefining things so that they may define themselves. It is a way of constantly breaking down presumptions about my knowledge and experiences, about the integrity and vitality of forms. Abstraction provides a way to reconcile diverse information. I seek ways to subvert my ego and open up to the demands of the image/object and my intuitive impulses. I avoid predetermined notions about content which often make the process of building an image obsolete.

Whether a painting, work on paper, or sculpture, each work consists of a series of visual responses, of acts committed, displaying a connection to my vocabulary, beliefs, and a connection to my understanding of dynamics and relationships in nature. The work is not guided by a self-conscious motive; it is not guided by an accommodation to style or trend. The relationships between works emerge with the effort to discover something new using the tools or processes which I have previously developed. Each piece leads me to a new bit of knowledge, a slight expansion of my vocabulary, one stage in the development of a personal philosophy.

When working I seek confrontations which demand decisive reactions. I usually begin in response to a particular material or form that I have seen or invented. I superimpose abstractions, evocative forms and symbols rooted in my experiences. I engage in activities which continually put an image physically at risk, like sanding, scraping, rinsing. I may also impose a seemingly foreign or disparate element, to unsettle an image, providing a point of reorientation or relationships which I could not anticipate. These elements come from books, illustrations, photographs, other unfinished works, which I transpose to the surface, collage or attach as panels. When I work in series it is to repeatedly test my motives and responses with one particular structure or device. The elements that remain begin to come to life, appear to have grown there or somehow appear self-determined.

어떤 평론가들은 조셉이 다년간 발전시킨 이러한 복잡하고 노동 집약적인 과정을 묘사하기 위해 그의 작품을 “비(非) 콜라주”라고 부르기도 한다. 그가 그의 작품 속에 “인류의 집단적 역사”로서 반영하는 창조하고 파괴하는 기법은 호기심과 질문을 자극하는 예상치 못한 맥락들을 낳는다. 조셉의 작품이 흥미롭고 독특한 주된 이유는 드로잉, 회화, 러그, 조각 작품 모두 다양한 문화적 형태와 상징들의 교차점을 생생하게 표현할 뿐 아니라 오늘날의 문화적 시점을 잘 포착해 보여주기 때문이다.

조셉은 언제나 자신의 작품이 고급문화가 되지 않도록 애써왔는데, 이 점이야말로 그의 예술을 독특하게 만드는 힘처럼 보인다. 즉 그는 자신만의 문화적 상징을 작품으로 만들고자 했다. 고도의 기법을 사용하는 그의 세대의 많은 작가들과는 달리, 조셉은 수작업을 고집하며 우연적 결과를 사랑한다. 다시 말하면 그의 회화는 하나의 소우주이다.

그는 현재 뉴욕에 살며 작품활동을 한다. 그는 로드 아일랜드 디자인 스쿨(RISD)에서 미술학사를 취득했고 ‘바질 알카지 상’(Basil H. Alkazzi Award) 같은 영예로운 상을 수상했으며, 매사추세츠 대학과 그가 드로잉을 가르쳤던 RISD에서 방문작가/강사를 역임했다. 그는 ‘미국미술’(Art in America), ‘아트시’(Artsy)에서 전시회를 가졌고, 휴스턴 미술관(Museum of Fine Arts, Houston), 캔사스 시티의 켐퍼 현대미술관(Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas CIty) 그리고 중국의 길린 미술관(Guillin Art Museum, China) 등 미국 내외의 여러 미술관들이 그의 작품들을 소장하고 있다.

그는 지난 25년 동안 회화, 부족들의 카펫, 아프리카 공예품 등을 수집해온 열렬한 콜렉터이기도 하다. 크리스티나 강이 펴낸 ‘수집가들’(The Collectors)을 참조하기 바란다. 그는 현재 뉴욕의 ‘알렌 스톤 미술관’ 관장으로 사적인 미술고문이며 그와 마찬가지로 열정적인 작품 수집가인 그의 부인 시몬 조지프와 함께 살고 있다.

정수진