First of all, the works based on the artist’s walks stand out. It seems the scenery of the ground covered with colorful fallen leaves that she comes across on her daily walk to the hill behind her place has become a perfect subject-matter for her. She recorded the scenes by capturing the sunlight pouring over the scene in warm pastel-toned works Untitled and Lemonish. Small circles and leaf shapes are repeatedly superimposed to create a smooth rhythm on the canvas. The composition gives the sense that the viewer is standing at the center of a carpet of colorful fallen leaves, filling the entire canvas homogeneously with fallen leaves, conveying a special sense of sympathy as if we are in the middle of a forest.

Through this exhibition, the artist unfolds the record of various experiences she has had in her daily life. Finding KoKo captures the moment of having fun with the dog Koko that accompanied her on a walk, and Days vividly depicts a fruit basket and potted plant placed in the corner of the studio with lively brushstrokes. The two paintings straightforwardly show the special layers of sensibility derived from communication with the trivial objects surrounding the artist, and fully emit the charm of daily life recorded purely and happily.

Moreover, those who watch Journey into the Night, a piece that effectively depicts the dim evening walk, and Love Eggs, an interesting expression of eggs, can clearly understand how the artist perceives, enjoys, and interacts with the little things of everyday life. Even in repeated daily routine in which there is nothing new or beautiful, everything touched by the artist’s gaze is transformed into a special beauty and recorded on the canvas like falling under a spell. Looking at such a picture diary, we feel the familiarity and have a strange pleasure. The novel charm coming from the record of sympathy for the trivial, without having to be heavily armed with some grand narratives or cutting-edge concepts, is the result of the artist’s maturity in playing out a scenario that could be boring otherwise.

• Evolution of drawing-like attributes

After seeing the works for this exhibition that recorded the artist’s daily life and specific emotions, I had a dreamy impression, and at the same time, I could identify the characteristics of drawing. This is the result of the works being finished so that they can be guessed from the flickering colors and the suggestive outlines of the forms without detailed depiction of the objects. In particular, the colors drawn as if hurled on the canvas instantaneously or the outlines of objects drawn quickly have a strong drawing-like attribute that fully captures the artist’s movements.

The use of lines that are directly exposed without hesitation, as if trying to capture the idea derived from the interaction with the object, rather than the realistic representation of the object, creates a vivid tension on the canvas.

Fruit Punch and Greenish Island are rhythmically harmonized with lines that express the characteristics of the outer shapes and atmosphere of the objects on the colored canvas. Although there are changes in medium and form, the strong drawing-like traits, which has characterized her work so far, continues to evolve and persist.

A closer look at the colored fields of Paradise Garden confirms these characteristics in detail. The paints are repeatedly drawn with a brush like some lines, and vertically drawn lines and lines of various thicknesses in different directions are arranged closely spaced to give a firmly woven feel. It gives a feeling similar to that expressed by varying the thickness and direction with various pastels. However, the drawing-like style shown in Hyena Kim’s work is different in that it is softer and more fluid than the drawing done by hard media (pastel, conté, charcoal, pencil, etc.). This is an effect created by the oil paints being pushed and reapplied before drying. In particular, in the part where the background colors are revealed among the drawn lines, the background colors and the re-applied colors are gently blended, creating a mysterious atmosphere. In this way, the lines filling the areas of the canvas are repetitively drawn and filled through various variations in thickness, revealing the underlying colors and the colors painted over that harmonize with each other. This plays an important role in completing mystical and dreamy effects.

This method is a characteristic that enriches the artist’s work and fully conveys the feeling that constitutes emotional layers. Drawing experiments using the properties of media continue in an evolved way.

• Ambivalent approach, abstract and concrete. . .

The first impression of Hyena Kim‘s works is that they look like abstract paintings in which the harmony of colors and arrangement of shapes are well balanced. However, if you take a close look based on the titles of works, you can see the similarity in form and recognize the object reproduced on the canvas. The piece that shows these characteristics well is Days.

In this work, the main colors of yellow and green are harmonized first, and various colors such as red and light purple are scattered throughout the canvas. It is an abstract painting that seems to express the feeling full of energy that rises like the spring haze by orchestrating the lines briskly drawn as outlines. However, if you look at the work a little closely, you will notice the outline that gives a certain shape and order while crossing the color surfaces somewhat conspicuously. If we make an inference from the morphological similarity created by the lines depicting the outer shape drawn at the bottom left of the canvas, we can identify a fruit basket and fruits. If the same method is applied to the right side of the painting, we can find a foliage plant with long, large leaves. It is fun to discover these images that are almost hidden, and this allows the viewer to focus more on the work.

The depiction of objects which look concrete and abstract simultaneously through emotional interaction with specific objects is a notable aspect that constitutes the key formal beauty of Hyena Kim’s work. However, if the title of a work is abstract, the interpretation becomes complicated. In the case of White Atmosphere, the color is identified through the title, but there is no discernible, concrete form. So, we have to use our imagination to interpret and guess. In other words, it is an opportunity for free imagination, and at the same time, it allows us to experience the difficulty that comes from the absence of a specific object to refer to.

In this way, Hyena Kim offers us opportunities to recognize and feel objects from a variety of perspectives, crossing the boundaries of representation and abstraction. Works that express certain objects based on the artist’s own memories and feelings emit a free and unique feeling like the poetic title attached to each piece. It is not important to ascertain whether the outcome of the subjective re-creation of the object by the artist is a realistic or abstract representation of the object. What the artist is interested in is how an object is expressed through what feeling, and how it is communicated and understood by the viewers. Her experiments go beyond the debate over the boundaries of abstraction and representation, and present a perspective that prioritizes feeling.

• Concentration on emotions and sensations

Hyena Kim’s representational work, which had attracted the attention of art critics since 2005, had a strong drawing-like quality. Since 2011, she has gone through the process of experimenting with abstract expressions by crossing out the medium of oil painting and figurative objects in the medium and the expression of objects. There has been a sea change in her art, making her own distinct style. After about 10 years of various approaches and experiments, her recent works seem to have reached maturity both in terms of form and content, making a clear difference from previous works.

What triggered the change for this painter? Regarding the motive behind it, she said, “Perhaps I have become too familiar with the materials and the repetitive subject-matters I drew on so often; one day I suddenly felt numb.” She said: “There was no special reason or moment, but I was pretty tired of the materials that I repeated every time, and at the same time, I was tired of the compulsion focused on the scale, as well as of the objects that were repeated in terms of content. There was a question about my own work that I had delved into from 2005 to the time before the abstract change. This question led to the desire to experiment with new materials and objects, which also naturally led to the change to abstraction. So, this has become a driving force for me to enjoy working.”

The change from figurative expression to abstract one in Hyena Kim’s work is evident in her solo exhibition held at Zaha Museum in 2013. Those works are completely different from her previous works in the materials and depiction of objects. They do not show concrete human figures, but instead the abstractness that the lines drawn rapidly that dominate the canvas are entangled with one another or traverse the canvas dividing it into large sections. The characteristics of these changes are greatly highlighted in Winter. When you look at this piece, where lines are drawn without hesitation on a generally white background, it looks like an ambiguous painting composed of abstract and simple lines. We cannot be sure whether it is the lyricism of the branches stretched out against the cold winter sky after the falling of snow, or the lyricism of the scenery where snow has melted only on the road as you see from a high hill the day after the snowfall. This work makes the viewer imagine in many ways based on the title of the work, leading the viewer to various imaginations, giving meaning to the lines drawn on the canvas.

Drawing on the title of the work ‘winter’ as a clue, we make various analogies reminiscent of winter. But the picture, where the representation of a specific object has already disappeared, is only felt as a world full of winter emotions and sensations. It is not possible to clearly identify the object that can be embodied with a certain morphological analogy that is represented by the lines. What the artist expresses is not a figurative representation of the word presented as the title of the work, but the emotions and sensations that are the result of the sufficient communication with the objects. Hence, this abstract way of expression is natural. By expressing the object through the artist’s subjective emotions and sensations in this way, she abolishes the condition of the representation of the object’s own intrinsic form. Through this, she acquires the infinite possibility of interpretation of the object and the basis for untrammeled expression.

The development of Hyena Kim’s work centered on reconstruction, which is continuously experimented and unfolded through this process, brings the possibility of interpretation and freedom of expression. However, in proportion to this advantage, there is also the risk that the result of this process sometimes can hardly be delivered to and understood in a tangible form by the spectators, not to mention that it is difficult to gain sympathy. But she puts an end to these concerns, showing they are only unfounded fears. One may have a suspicion that her work has a tendency to be too emotionally melodramatic. However, the atmosphere and feeling that she has stacked up with a sincere approach and accurate depiction are understood and win the sympathy of the viewer as solid layers of sensibility that confirms the meaning of the words presented to the audience as the titles of her works. By presenting a sensuous canvas that can be intuitively understood, she skillfully wins the sympathy of others even with abstract works. This is a remarkable talent and skill that set Hyena Kim apart from other artists. It proves that an artist‘s work based on her own interpretation alone has sufficient power of communication. Clearly, this is a meaningful strategy that can be an alternative to the phenomenon of decorating the excessive theories and the patchwork of overflowing knowledge as the logic for art communication today.

• On pure beauty

In an interview with me, Hyena Kim said, “Rather than producing works mainly based on logic or concepts, I want to express a really beautiful thing without any bias.” As she said, we confirm that the works presented in the exhibition “Days” put greater emphasis on emotions and sensations than logic and concept. Naturally, the works are perceived intuitively.

The debate over the logic of art and the trend of grand narratives that are going on around us in recent years makes us increasingly tired and indifferent. Or, is it only my own case? What is it that our view, which is heavily focused on logical concepts, has lost? The answer to this question might be pure beauty that is intuitively understood and felt at once. The need for an enormous amount of text and prior knowledge that is explained longer and longer in order to feel and understand works of art is certainly something wrong. Logical discourse is important in our approach to art, but on the other hand, the creation of meanings through emotional and sensuous fulfillment and communication with the contemporary age are also an important side.

The artist puts down this logical argument and aims for pure beauty. The new works presented through the record of transparent layers of sensibility do not require a long-winded explanation or extensive prior knowledge that overwhelms the work itself. It just emphasizes the need for feeling. This is because the representations built by her extremely sensuous work are quite enough to communicate and understand the layers of emotions contained in the works. The world of the senses can be accessed by a deep and broad sense of spiritual fulfillment rather than by a logical argument. The pure beauty and sympathy of this work for a sense of fulfillment will be able to deepen and expand in proportion to the individual layer of emotions.

In this exhibition “Days”, Hyena Kim shows her brief reflections on small things in daily life. This is a time when it is necessary to interact with each and every record of the emotional layers felt in the trifle things in daily life. Let’s read the meaning of pure beauty through “Days” which is the record of Hyena Kim’s reflections on small things in daily life.

Jounghoon Lee / Science of Art, Seoul Foundation for Arts and Culture

우선, 산책이 중심이 된 작업이 눈에 띄는데 매일같이 반복하는 뒷산 산책길에서 마주한 형형색색의 낙엽으로 뒤덮힌 바닥풍경은 작가에게 더할 나위 없이 좋은 소재가 되었나 보다. 그 위로 쏟아지는 햇볕까지 담아 빛을 머금은 장면을 따스한 파스텔 톤의 작업 ‘untitled’과 ‘Lemonish’로 기록하였다. 작은 형태의 동그라미와 나뭇잎 모양의 반복이 중첩되어 화면에 부드러운 리듬감을 만들고 있다. 그리려는 대상, 단풍든 낙엽융단 중심에 서 있는 것처럼 색색의 낙엽들로 화면 전체를 균질하게 매우고 있는 화면구성은 마치 숲속 한 가운데 들어온 것 같은 특별한 교감을 선사한다.

작가는 이번 전시를 통해 일상에서 경험한 다양한 경험의 기록을 펼쳐 보인다. 산책에 동행한 강아지 코코와 낙엽을 흩뿌리며 함께 즐긴 느낌을 담아낸 작업 ‘Finding KoKo’나 작업실 한쪽 무심히 놓인 과일바구니와 화분을 활달한 필치로 생동감 있게 그려낸 작업 ‘Days’는 소소한 주변의 대상과 교감한 특별한 정서적 층위를 솔직하게 보여주는데 순수하고 즐겁게 기록된 일상의 매력을 한껏 발산한다.

더욱이 저녁 산책의 어둑한 느낌을 잘 살린 작품 ’Journey into the night’과 계란을 재미지게 표현한 작업 ‘Love eggs’를 마주하면 일상의 소소한 것을 어떻게 지각하고 즐기며 교감하고 있는지 확연히 공감할 수 있다. 전혀 새로울 것도 없고 아름다울 것도 없는 반복된 일상에 작가의 시선과 맞닿은 모든 것은 특별한 아름다움으로 변화되고 캔버스에 기록되는 마법에 걸린 것 같다. 이러한 그림일기를 보는 느낌 또한 친근감과 묘한 즐거움이 쏠쏠하다. 굳이 대서사나 고도의 개념으로 무장하지 않고 소소한 일상을 주제로 소소한 것에 대한 교감의 기록이 주는 이 참신한 매력은 작가가 자칫 지루할 수도 있는 시나리오 전개를 원숙하게 진행한 결과이다.

• 진화한 드로잉적 태도

이번에 선보이는 작가의 일상과 특정한 정서를 기록하고 있는 작업들을 마주한 느낌은 몽환적이면서 드로잉적인 특징의 확인이다. 아른거리는 색감과 대상의 자세한 묘사 없이 형태의 암시적 외곽선으로 미루어 짐작하게 작업이 마무리됨으로써 만들어진 결과이다. 특히 화면에 순간적으로 던지듯이 그려진 색이나 신속하게 그어내린 대상의 외곽선은 작가의 움직임을 고스란히 담아낸 드로잉적 특징을 강하게 보여준다.

대상의 사실적 재현이 아닌 그 대상과의 교감을 통해 파생되는 착상을 포착하려는 듯 거침없이 직접적으로 드러나는 선들의 활용은 화면에 생생한 긴장감을 만들어낸다.

작업 ‘Fruit punch’나 ‘Greenish island’를 보면 채색된 화면 위를 대상의 외곽형태나 분위기의 특징을 잘 표현한 선들이 경쾌하게 어우러지고 있다. 이전부터 작가를 각인시켰던 강한 드로잉적 특징은 재료와 형식적 변모만 있을 뿐 새롭게 진화하며 지속되고 있는 것이다.

작업 ‘paradise garden’의 색색 면들을 살펴보면, 이러한 특징을 구체적으로 확인할 수 있다. 붓에 발라진 물감이 선처럼 반복적으로 그려져 있고, 수직적으로 그려지는 선들과 각 방향을 달리하는 다양한 굵기의 선들이 간격을 촘촘하게 유지하며 배열됨으로써 탄탄하게 직조된 느낌이다. 마치 색색의 파스텔로 굵기와 방향을 달리하며 표현한 느낌과 흡사하다. 단, 작가 김혜나의 작업에서 보여지는 드로잉적 표현 형식은 딱딱한 재료(*파스텔, 콘테, 목탄, 연필 등)를 활용한 드로잉에 비해 보다 더 부드럽고 유려한 정도의 차이를 제시하는데, 이는 유화 물감이 마르기 전에 밀리고 덧발라지며 만들어지는 분위기이다. 특히 밑 색이 그어진 선들 사이로 드러나듯이 표현된 부분은 밑 색과 덧발라진 색이 부드럽게 혼융되며 신비로운 분위기를 생성하게 된다. 이렇게 화면의 면들을 채워나가는 선들은 굵기의 다양한 변주를 통해 밑 색과 덧칠해진 색들이 드러나고 어우러지며 반복적으로 그어져 채워지는데, 신비해 보이는 몽환적 표현을 완성하는데 있어 중요한 역할을 한다.

이러한 표현은 작가의 작업을 풍부하게 하고 정서적 층위를 구성하는 느낌을 충분히 전달하는 특징이다. 재료의 특성을 활용한 드로잉적 실험은, 작업에서 진화한 태도로 지속되고 있는 것이다.

• 양가적 접근, 추상적으로.... 구상적으로....

작가 작업에 대한 처음 느낌은 화면을 구성하는 색의 조화나 배치의 구성들로 균형을 잘 잡고 있는 추상화처럼 보인다. 하지만 작품명을 단초삼아 자세히 들여다보면 형태적 유사성이 눈에 잡히면서 화면에 재현된 대상체가 인식된다. 이러한 특징이 잘 보여지는 결과는 작업 ‘days’이다.

이 작품은 우선 노란색과 초록색이 주조색으로 조화를 이루고 붉은색과 연보라색 등 다양한 색들이 포인트 역할을 하며 화면을 점유하고 있다. 여기에 외곽선 형태로 활달하게 그려진 선들까지 어우러져 봄날 아지랑이 피어오르는 에너지가 충만한 느낌을 표현한 추상화로 보인다. 하지만, 작업을 좀 더 주시해보면 조금은 눈에 띄게 색면들을 가로지르며 일정한 형태와 질서를 부여하는 형태 외곽선에 주목하게 된다. 화면을 바라볼 때 좌측편 하단에 그어진 외각 형태를 표현한 선들이 만드는 형태적 유사성을 추론해보면 과일바구니와 과일들이 놓여있음이 확인된다. 이와 함께 같은 방법을 작업의 우측편에 대입해보면 위아래로 길게 잎이 큰 관엽식물이 위치하고 있다. 알 듯 모를 듯 숨겨지듯 드러나 있는 이러한 형상을 발견하는 재미는 작가가 숨겨놓은 이미지를 찾아내는 것처럼 작업에 집중하게 되는 묘미가 있다.

구상적인 듯 추상적이고 추상적인 듯 구상적으로 표현되는, 구체적인 대상과 이를 통한 정서적 교감을 통한 추상성이 작품에서 동시에 제시되는 점은 작가 김혜나 작업의 핵심적 형식미로서 주목할 부분이다. 단 작품명이 추상적인 경우에는 독해하는 방법이 복잡해지는데, 작업 ‘White atmosphere’를 통해서는 작품명으로 제시된 단어에서 색감만이 확인될 뿐 소환할 수 있는 구체적 형태가 없기에 나름대로의 상상력을 발휘해서 해석하고 추측해야하는 자유상상의 기회이자 확인 대상이 없는 난해함을 동시에 경험하게 된다.

이처럼 작가는 우리에게 다양한 시각으로 대상을 인지하고 느낄 수 있는 기회를 구상과 추상의 경계를 넘나들며 제시하고 있다. 어떠한 대상을 작가 나름의 기억과 느낌으로 표현해나가는 작가의 작업들은 작품 하나하나에 붙여진 시적인 작품명처럼 자유롭고 독특한 느낌을 뿜어내는데, 대상의 사실적 재현보다는 작가를 통해 대상이 재창조된 작업의 결과는 추상이냐 구상이냐가 중요하지 않다. 어떠한 느낌으로 표현되어 어떻게 교감되고 이해되어지느냐를 중요한 명제로 삼은 작가는 추상적이냐 구상적이냐 하는 이 실험에서 경계 논쟁을 종결하며 느낌을 초월한 시각을 제시하고 있다.

• 감성과 감각으로의 집중

미술평단의 주목을 받으며 2005년부터 지속해온 작가 김혜나의 드로잉적 성격이 강했던 구상작업은, 2011년부터 재료나 대상의 표현에 있어 유화라는 재료와 구상적 대상을 지워가면서 추상적 표현이 실험되는 과정을 통해 뚜렷한 작가만의 색을 만들며 크게 변화되었다. 약 10년간 다양한 접근과 실험을 통해 현재에 이른 최근의 작업들은 과거의 작업들과 확연한 차이를 만들며 형식이나 내용면에서 모두 완숙기에 접어든 듯하다.

무엇이 이 작가에게 변화를 촉발한 걸까? 변화의 계기에 대해 작가는 ‘이전의 재료와 반복되는 작업내용이 너무 익숙해진 것인지 어느 날 갑자기 무감각하게 느껴졌다고 했다. 작가는 ‘특별한 이유나 계기가 있었던 게 아니라 매번 반복해오던 재료가 싫증났고, 동시에 내용적으로도 반복되는 대상과 함께 스케일에 집중된 강박에 지쳤었어요. 지난 2005년부터 추상적 변화 이전까지 꾸준히 매달려온 작업에 대한 스스로의 반문이 있었고, 이 물음은 새로운 재료와 대상을 실험하고 싶은 생각으로 자연스럽게 추상적 변화와 연결되면서 즐겁게 작업할 수 있는 동력이 된 거죠.’라고 했다.

작가의 작업을 구상적 표현에서 추상적 표현으로 변화에 초점을 맞춰보면, 2013년 자하미술관 개인전 작업에서 확연히 드러나는데, 이전 작업과 재료나 대상의 표현에 있어 완전한 차이를 보여준다. 당시에 작업들은 구상 형태의 인물이 사라지고 화면을 장악한 빠른 속도로 그려진 선이 뒤엉키거나 크게 면을 분할하며 가로지르는 특징의 추상작업을 보여준다. 작업 ‘Winter’는 이러한 변화의 특징이 크게 부각된다. 대체로 하얀 바탕에 거침없이 선들이 그어진 화면을 보면, 흰 눈 내린 겨울 시린 하늘을 배경으로 뻗어있는 나뭇가지가 만드는 서정인지, 아니면 눈 내린 다음날 높은 언덕에서 내려다 본 길만 눈이 녹아 있는 풍광의 서정인지 추상적으로 간략하게 표현된 그어진 선들로 구성된 이 모호한 작업은 작품명으로 제시된 단어를 기반으로 이리저리 연상하게 만드는데, 이 과정을 통해 다양한 상상이 유도되며 화면에 그어진 선들에 대해 의미를 부여하게 한다.

작품명 ‘Winter’를 단초삼아 겨울과 연상되는 다양한 유추를 해보지만 이미 구체적인 대상의 재현이 사라진 화면은 오로지 겨울의 정서와 감각으로 가득한 세상으로 느껴질 뿐, 선들이 재현하는 확실한 형태적 유사성으로 구체화 할 수 있는 대상을 명확하게 확인할 수 없다. 작품명으로 제시한 단어에 대한 구상(具象)적 재현이 아닌 작가가 표현하고 있는 것은 대상과 충분히 교감한 정서와 감각이기에 추상적으로 표현되는 것은 당연한 결과이다. 이처럼 작가의 정서와 감각을 통해 대상을 표현하는 이 지점에서 작가는 대상의 고유형태 재현이라는 조건 폐기를 통해 대상의 무한한 해석 가능성과 자유로운 표현의 근거를 획득한다.

작가의 재구성이 주축이 된 작업의 전개가 해석의 가능성과 자유로운 표현의 자유로 작동되는 만큼, 반대로 이러한 과정의 결과가 관객에게 구체적으로 전달되고 이해되기엔 한계가 많고 공감 획득에 대한 위험도 비례한다. 하지만 작가는 이러한 우려를 기우로 종식시킨다. 자칫 너무 감성위주의 멜로로 흐르는 것이 아닌가 하고 의구심의 시각을 대입해보지만, 작가가 작업을 통해 보여주는 진지한 접근과 적확한 표현으로 차곡차곡 쌓여있는 분위기와 느낌은 관객에게 작품명으로 제시한 단어의 의미를 확인할 수 있는 탄탄한 감성의 적층(積層)으로 이해되고 공감된다. 그는 직관적으로 이해될 수 있는 감각적 화면 제시를 통해 추상작업임에도 불구하고 타인의 공감을 획득하는데 능숙한 경지를 보여주는데, 이러한 재능은 작가 김혜나를 타 작가와 구분 짓고 차별화하는 탁월한 기량이다. 작가 나름의 해석에 따른 작업만으로도 충분한 전달력을 가지고 있음을 증명하는 것이기 때문이다. 이 전략은 분명 오늘날 과잉된 이론과 범람하는 지식의 짜깁기를 예술의 소통 논리로 포장하는 현상에 대안이 될 수 있는 유의미한 자세이다.

• 순수한 아름다움에 대하여

작가는 필자와 만남에서 ‘논리나 개념 중심의 전개보다는 어떠한 치우침 없이 정말 아름다운 것을 무심히 표현하고 싶다’라고 했었다. 작가의 이 말처럼 전시 «Days»를 통해 제시되는 작업들은 논리와 개념보다는 감성과 감각에 큰 의미를 두고 있음을 확인할 수 있다. 따라서 작업은 당연히 직관적으로 인지된다.

근자에 주변에서 전개되어지는 예술의 논리논쟁과 거대 서사에 대한 전개가 점점 더 피로해지고 무관심해지는 건 필자 본인만의 경우인가? 논리적 개념에 집중된 우리의 시각이 잃은 것은 무엇일까? 이 질문에 대한 답은 직관적으로 한 번에 이해되고 느껴지는 순수한 아름다움이 아닐까 싶다. 갈수록 작업을 느끼고 이해하기 위해 더욱 더 길게 설명되어지는 엄청난 텍스트와 사전 지식의 필요함은 분명 무언가 잘못된 현상이다. 예술에 있어 논리의 전개도 중요한 의미를 파생할 수 있는 방법이지만, 다른 한축으로는 감성과 감각의 충족을 만들고 이를 통한 시대와 교감하는 의미파생 또한 중요한 부분이다.

작가는 이러한 논리논쟁을 내려놓고 순수한 아름다움을 지향한다, 이 투명한 감성적 층위의 기록을 통해 제시하는 새로운 작업들은 작품을 휘감고 남을 만큼의 설명도, 방대한 사전지식도 요구하지 않는다. 그저 느끼라고 강조할 뿐이다. 극도로 감각적인 그의 작업이 구축한 표상(表象)만으로도 작품이 담고 있는 정서의 층위를 교감하고 이해하기에 충분하기 때문이다. 그 감각의 세계는 오히려 논리적 층위보다 깊고도 넓은 정신적 충족감으로 다가온다. 이 충족감을 위한 작업이 품고 있는 순수한 아름다움과 교감은 개개별 정서적 층위에 비례해서 깊어지고 넓어질 수 있을 것이다.

작가는 이번에 준비한 전시 «Days»에서 소소한 일상을 소고한다. 이 소소한 일상에서 느끼는 감성적 층위의 기록을 하나하나 함께 교감하는 시간이 필요한 시대이다. 이 한편의 순수한 아름다움의 의미를 읽어보자. 작가가 전개하는 다양한 일상소고 «Days»를 통해서.

이정훈 / 예술학∙서울문화재단,연세대학교 겸임교수