leeeugeangallery

Ahnnlee Lee 이안리Two Mirrors, 2012, graphite on paper, 130 x 180cm

Ahnnlee Lee 이안리Cyclamen, 2020, oil, ink, pencil and oil stick on paper, 231.5x140cm

Hyounsoo Kyung 경현수classic conflict, 2026, Graphite, marker, and acrylic on canvas, 145.5x112cm

Hyounsoo Kyung 경현수mild tension, 2026, putty filler, marker, and acrylic on canvas, 72.7x53cm

Sukyung Chung 정수경Relational Beauty, 2024, Glass Casting on canvas, 100x35x11cm

Sukyung Chung 정수경

《On the Way to Form》 examines how the works of three artists arrive at form through different materials, processes, and durations. Each artist begins with a clear direction, whether recalling a scene once observed, designing the structure of an image, envisioning a form, or constructing a mold. Yet form is not completed by the initial conception alone. It takes shape through elements of chance embedded in the properties of materials, the movement of the hand, and the effects of time. The three artists negotiate the interplay of these elements in their own ways, following the possibilities that emerge within the work as they search for form.
For Hyounsoo Kyung, form is a new order attained when deliberately accepted errors pass through a process of selection and refinement. For Ahnnlee Lee, it is an image that emerges through the accumulation of observation and memory, association and repeated mark-making. For Sukyung Chung, it is the unpredictable result produced when a meticulous structure, shaped by hand over an extended period, passes through fire, gravity, and the long duration of waiting. The three artists approach form along distinct paths: error and refinement, observation and accumulation, and design and waiting.
Furniture and tools brought from the artists’ studios, together with fragments left behind by the making process, demonstrate how this time also accumulates beyond the artworks themselves. These objects are traces of the time invested in the works, the positions once occupied by the artists’ bodies, and the environments shaped by repeated decisions and actions. The studio is also a place where, within conditions established by the artist, previously unknown forms and relationships can be discovered. The artist may set a direction toward form but cannot control every movement that occurs along the way. The work gradually reveals itself as intention and the unintended, planning and change, control and waiting become intertwined.

More interested in formal qualities than conceptual concerns, Hyounsoo Kyung has long taken naturally curving roads, subway maps, and structures found in topography as starting points for his work. When these structures were accidentally corrupted in Adobe Illustrator, the artist chose not to erase the errors and instead discovered forms that had not previously existed. Small fragments of data extracted from vast road networks were repeatedly distorted and broken down, gradually transforming into curves and planes unrelated to the original terrain. Kyung brought these accidental errors into the work as a way of moving beyond the repetition of familiar abstract forms.
To transfer these digital images onto canvas, the artist uses fine-line tape to preserve sharp edges, applies paint over the surface, and then peels the tape away. This meticulous analog process attempts to reproduce as closely as possible the bright, vivid colors of a backlit screen on the surface of a painting.

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In the new works, created through drawing on an iPad rather than in Illustrator, Kyung introduces human expressions into geometric structures, giving each image a distinct personality. Through the familiar element of human expression, the artist hopes to bring the viewer closer to the work and allow his own energy to be conveyed naturally through the image, while anticipating the new energy generated through that encounter.
Kyung describes the studio not simply as a place for painting, but as an analog filter that briefly captures fragments of data circulating through the virtual realms of the internet and digital media and compresses them into the material form of painting. In this quiet and rigorous space of decision-making, insulated from the outside world, he condenses the tension between the coldness of the computer screen and the tremor of the hand onto the surface of the canvas.
Hyounsoo Kyung(b. 1969) studied painting at Chung-Ang University and completed his graduate studies at the School of Visual Arts in New York. He has held solo exhibitions at Lee Eugean Gallery and Willing N Dealing, among others, and participated in numerous group exhibitions at venues including Arario Gallery, ARKO Art Center, and the Seoul Museum of Art.

Ahnnlee Lee begins with natural materials such as plant matter and marine remnants, transforming them into sensory structures through a range of media, including drawing, painting, collage, and sculpture. For Lee, who is drawn to gathering, collecting, and combining things, materials are deeply connected to the places and periods that have shaped the artist’s life, as well as to memory and relationships. Every chosen material and every relationship it forms carries its own meaning.
The objects and scenes Ian Lee encounters in everyday life may appear to have been found by chance, but they are in fact the result of sustained observation, filtered through memory, experience, relationships, and sensation. The graphite drawings presented in this exhibition were made while Lee was living in Paris. Circles and triangles, birds and sand, the body of an elderly person, tangerines on a table, and shells on a beach do not remain within the bounds of their observed appearances. Passing through connections among memory and language, emotion and imagination, they shift into unfamiliar forms. Viewed from a distance, the dark forms appear as solid, smooth masses. Up close, however, they reveal themselves to be composed of countless fine pencil lines. The repeated act of mark-making, sustained for months and sometimes years, condenses individual moments into a single surface. The forms appear to possess the solidity of physical matter, yet they also retain the fragility of something that could easily be disturbed by the touch of a hand. Here, form is not an image completed in a single moment, but a state reached through the accumulated repetition of small gestures and time.
Ahnnlee Lee(b. 1985) earned a BFA and an MFA from the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Lee has held solo exhibitions at Wooson Gallery and ONE AND J. Gallery, among others, and participated in numerous group exhibitions at venues including VSF in Los Angeles and HITE Collection.

For Sukyung Chung, who works with glass, an artwork is not made by the artist alone but completed together with the kiln. The process begins with meticulous preparation. She conceives the form, cuts colored, transparent, and sometimes discarded glass into precise pieces with a saw, models the arrangement, and creates molds using wax, silicone, and plaster. Once the glass enters a kiln heated above 800°C together with the mold and the door closes, however, the work leaves the artist’s hands. After passing through fire, gravity, and the unseen time within the kiln, each work comes to contain rule and chance, form and formlessness, designed structure and natural transformation at once.
Inside the kiln, pieces of glass with different densities and properties meet, press against one another, and seep into each other, leaving unexpected traces. As heat and time act upon them, chance gives rise to another order. Chung sees this process as resembling the relationships between people. The countless relationships we form with other people, time and space, objects, and nature collectively shape who we are. The traces, memories, and emotions left by these relationships have neither form nor color, but resemble waves. Chung defines this as “the beauty of relating.”
In this exhibition, Chung brings these difficult-to-describe sensations and emotional waves together with fragments of the plaster molds that entered the kiln. Arranged to form a single rhythm, the installation gives visual form to “the beauty of relating.”
Sukyung Chung(b. 1973) became fascinated with stained glass while in Russia and subsequently studied glass art in the United Kingdom and Korea, developing a distinctive sculptural language through her exploration of architectural structures and abstract forms found in nature. She earned a BA in Glass Design from Moscow Industrial Design Art University and MA degrees in Ceramics and Glass from the University for the Creative Arts and the Royal College of Art in the United Kingdom. She also completed doctoral coursework in Industrial Design at Kyung Hee University. Chung has held solo exhibitions at YÉOL Bukchonga, MONOHA, and Gallery Mosoon, among others, and participated in numerous group exhibitions at venues including Factory2 and Gallery SKLO.

《형태에 이르는 시간 On the Way to Form》은 작가의 작업이 각기 다른 재료와 과정, 시간을 거쳐 하나의 형태에 이르는 방식에 주목한 전시이다. 바라본 장면을 기억하고, 화면의 구조를 설계하며, 형태를 구상하고 틀을 만드는 데에는 각자의 분명한 방향이 존재한다. 그러나 형태는 처음의 구상만으로 완성되지 않으며, 재료의 성질과 손의 움직임, 시간의 작용에 스며든 우연적 요소들에 의해 비로소 구체화된다. 세 작가는 이러한 요소들의 상호작용을 각자의 방식으로 조율하며, 작업 속에서 드러나는 가능성을 따라 형태를 찾아간다.
경현수에게 형태는 의도적으로 받아들인 오류가 선택과 정제의 과정을 거쳐 획득한 새로운 질서로, 이안리에게는 관찰과 기억, 연상과 반복적인 긋기가 축적된 끝에 드러나는 형상이다. 정수경에게는 오랜 시간 손으로 빚어 올린 치밀한 구조물이 불과 중력, 기다림의 시간을 통과하면서 만들어낸 예측할 수 없는 결과이다. 세 사람은 각각 오류와 정제, 관찰과 축적, 설계와 기다림이라는 서로 다른 경로를 따라 형태에 접근한다. 작업실에서 가져온 집기와 도구, 작업 후에 남겨진 파편들은 이러한 시간이 작품의 바깥에도 축적되어 있음을 보여준다. 이 사물들은 작품이 만들어진 시간과 작가의 몸이 머물렀던 자세, 판단과 반복이 축적된 환경을 부분적으로 환기하는 흔적이다. 또한, 작가가 마련한 조건 안에서 아직 알지 못했던 형상과 관계를 발견하는 장소이기도 하다. 작가는 형태를 향한 방향을 설정하지만 그 과정에서 발생하는 모든 움직임을 지배하지는 않는다. 작업은 의도와 비의도, 계획과 변화, 통제와 기다림이 서로 맞물리는 시간 속에서 서서히 모습을 드러낸다.

개념적인 것 보다는 조형적인 것에 관심을 가졌던 경현수는 자연스러운 곡선을 가진 길이나 전철 노선도, 지형에서 발견한 구조를 작업의 출발점으로 삼아왔다. 그 구조들이 일러스트레이터에서 우연히 손상된 순간에, 작가는 오류를 삭제하는 대신 이전에는 존재하지 않았던 형상을 발견했다. 거대한 도로망에서 추출된 작은 데이터 조각은 반복적으로 뒤틀리고 파괴되면서 점차 원래의 지형과 무관한 곡선과 면으로 변화한다. 작가는 익숙한 추상 형식의 반복을 벗어나기 위해, 이처럼 우연한 오류를 작업의 내부로 끌어들였다. 이 디지털 이미지들은 캔버스에 옮기기 위해 날카로운 선에는 라인 테이프를 이용하고, 빛으로 구현된 모니터의 밝고 선명한 색을 최대한 화면에 구현하기 위해 물감을 덮은 뒤 다시 걷어내는 치밀한 아날로그적 공정을 거친다.
기존의 일러스트레이터 대신 아이패드로 드로잉한 이번 신작 들에는 인간의 표정을 이식해 하나의 인격을 부여했다. 인간의 표정이라는 친숙한 요소를 통해 관람자와의 거리를 좁히고 자신의 에너지가 화면에 자연스럽게 전달되기를 바라는 동시에, 그 만남에서 새로운 에너지가 생성되기를 기대한다.
작가는 작업실이 그에게 단순히 그림을 그리는 공간이 아니라, 인터넷과 디지털의 가상세계에서 흘러 다니는 데이터의 파편들을 잠시 붙잡아 회화라는 형태로 압착시키는 아날로그 필터라고 말한다. 외부세계가 차단된 고요하고 엄격한 이 의사결정의 공간에서 그는 컴퓨터 스크린의 차가움과 손의 떨림 사이의 긴장감을 캔버스 표면위로 응축시킨다.
경현수(1969)는 중앙대학교에서 서양화를 전공하고 뉴욕 스쿨 오브 비주얼 아츠에서 석사과정을 마쳤다. 이유진갤러리, 윌링앤딜링 등에서 개인전을 개최하였고 아라리오갤러리, 아르코미술관, 서울시립미술관 등 다수의 단체전에 참여하였다.

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이안리 작가는 식물이나 해양 부산물과 같은 자연 재료에서 출발하여, 이를 드로잉, 회화, 콜라주, 조각 등 다양한 매체를 통해 감각적인 구조로 변환한다. 무언가를 줍고 모으고 조합하기를 좋아하는 작가에게 재료는 그가 살아온 장소와 시간, 기억과 관계에 깊이 연결되어 있으며, 그가 선택한 재료와 그것들이 맺는 관계에는 저마다의 의미가 스며 있다.
이안리가 일상에서 마주한 대상과 장면은 우연히 발견된 것처럼 보이지만, 실제로는 충분히 바라보며 기억과 경험, 관계와 감각을 거쳐 선택된 결과이다. 전시에 소개되는 흑연 드로잉은 작가가 파리에서 생활하던 시기에 제작한 작업들이다. 동그라미와 세모, 새와 모래, 노인의 몸, 테이블 위의 귤과 바닷가의 조개껍질은 관찰된 모습에 머무르지 않고 기억과 언어, 감정과 상상의 연결을 통과하며 낯선 형상으로 이동한다. 멀리서 바라본 검은 형상은 단단하고 매끄러운 덩어리처럼 보이지만, 가까이 다가가면 수없이 반복된 가느다란 연필선의 축적으로 이루어져 있다. 수개월, 수년에 걸쳐 계속된 ‘긋기’의 행위는 개별적인 순간들을 하나의 표면 안에 응축한다. 단단한 물질처럼 보이는 형상은 손으로 문지르면 쉽게 흐트러질 수 있는 연약함을 함께 지닌다. 여기서 형태는 한 번에 완성된 이미지가 아니라, 작은 행위와 시간이 거듭 쌓여 도달한 상태로 나타난다.
이안리(1985)는 파리 국립고등미술학교에서 학사와 석사를 졸업하고, 우손갤러리, 원앤제이 갤러리 등에서의 개인전과 로스앤젤레스 VSF, 하이트컬렉션 등에서 다수의 단체전에 참여하였다.

유리로 작업하는 정수경에게 작품은 혼자 만들어내는 것이 아닌 가마와 함께 완성하는 것이다. 형태를 구상하고 색유리와 투명 유리, 때로는 폐기된 유리를 톱으로 반듯하게 잘라 모델링한 뒤 왁스와 실리콘, 석고를 이용해 몰드를 만드는 세밀한 준비에서 시작된다. 그러나 유리가 몰드와 함께 800℃가 넘는 가마 안으로 들어가 문이 닫히면 작품은 작가의 손에서 떠난다. 불과 중력, 가마 속 보이지 않는 시간을 통과한 끝에 작품 안에는 규칙과 우연, 정형과 비정형, 설계된 구조와 자연스러운 변화가 동시에 머물게 된다.
이처럼 가마안에서 유리는 서로 다른 밀도와 성질을 가진 채 만나고, 밀고, 스며들어 예상치 못한 흔적을 만들어낸다. 열과 시간이 더해지는 동안 우연은 또 하나의 질서를 만드는데, 그녀는 이 과정이 사람과 사람의 관계를 닮아 있다고 생각한다. 사람과 사람, 시공간, 사물과 자연 등 우리가 맺고 있는 무수히 많은 관계들이 지금의 나를 형성한다는 것이다. 이러한 관계들이 만드는 흔적, 기억, 감정들은 형태도 색도 없이 일종의 파동과도 같은데, 작가는 이를 ‘관계하는 아름다움’이라 정의한다. 이러한 설명하기 어려운 감각과 감정의 파동을 가마에 넣었던 석고 파편들과 함께 설치하여 하나의 리듬을 이루듯 ‘관계하는 아름다움’을 시각화 해본다.
정수경(1973)은 러시아에서 만난 스테인드글라스에 매료된 이후 영국과 한국에서 유리 조형을 공부하며 건축적 구조와 자연의 추상적 형태를 탐구하는 작업으로 자신만의 조형 언어를 확장해왔다. 모스크바 산업디자인예술대학교 유리디자인 학사, 영국 크리에이티브아트대학과 영국 왕립예술대학에서 도자와 유리전공으로 석사를 마쳤고, 경희대학교 산업디자인학과 박사과정을 수료하였다. 예올재단 북촌가, 모노하, 모순갤러리 등에서의 개인전과 팩토리2, 갤러리 스클로 등에서 다수의 단체전에 참여하였다.

Ahnnlee Lee 이안리Two Mirrors, 2012, graphite on paper, 130 x 180cm

Ahnnlee Lee 이안리Cyclamen, 2020, oil, ink, pencil and oil stick on paper, 231.5x140cm

Hyounsoo Kyung 경현수classic conflict, 2026, Graphite, marker, and acrylic on canvas, 145.5x112cm

Hyounsoo Kyung 경현수mild tension, 2026, putty filler, marker, and acrylic on canvas, 72.7x53cm

Sukyung Chung 정수경Relational Beauty, 2024, Glass Casting on canvas, 100x35x11cm

Sukyung Chung 정수경

《On the Way to Form》 examines how the works of three artists arrive at form through different materials, processes, and durations. Each artist begins with a clear direction, whether recalling a scene once observed, designing the structure of an image, envisioning a form, or constructing a mold. Yet form is not completed by the initial conception alone. It takes shape through elements of chance embedded in the properties of materials, the movement of the hand, and the effects of time. The three artists negotiate the interplay of these elements in their own ways, following the possibilities that emerge within the work as they search for form.
For Hyounsoo Kyung, form is a new order attained when deliberately accepted errors pass through a process of selection and refinement. For Ahnnlee Lee, it is an image that emerges through the accumulation of observation and memory, association and repeated mark-making. For Sukyung Chung, it is the unpredictable result produced when a meticulous structure, shaped by hand over an extended period, passes through fire, gravity, and the long duration of waiting. The three artists approach form along distinct paths: error and refinement, observation and accumulation, and design and waiting.
Furniture and tools brought from the artists’ studios, together with fragments left behind by the making process, demonstrate how this time also accumulates beyond the artworks themselves. These objects are traces of the time invested in the works, the positions once occupied by the artists’ bodies, and the environments shaped by repeated decisions and actions. The studio is also a place where, within conditions established by the artist, previously unknown forms and relationships can be discovered. The artist may set a direction toward form but cannot control every movement that occurs along the way. The work gradually reveals itself as intention and the unintended, planning and change, control and waiting become intertwined.

More interested in formal qualities than conceptual concerns, Hyounsoo Kyung has long taken naturally curving roads, subway maps, and structures found in topography as starting points for his work. When these structures were accidentally corrupted in Adobe Illustrator, the artist chose not to erase the errors and instead discovered forms that had not previously existed. Small fragments of data extracted from vast road networks were repeatedly distorted and broken down, gradually transforming into curves and planes unrelated to the original terrain. Kyung brought these accidental errors into the work as a way of moving beyond the repetition of familiar abstract forms.
To transfer these digital images onto canvas, the artist uses fine-line tape to preserve sharp edges, applies paint over the surface, and then peels the tape away. This meticulous analog process attempts to reproduce as closely as possible the bright, vivid colors of a backlit screen on the surface of a painting.

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In the new works, created through drawing on an iPad rather than in Illustrator, Kyung introduces human expressions into geometric structures, giving each image a distinct personality. Through the familiar element of human expression, the artist hopes to bring the viewer closer to the work and allow his own energy to be conveyed naturally through the image, while anticipating the new energy generated through that encounter.
Kyung describes the studio not simply as a place for painting, but as an analog filter that briefly captures fragments of data circulating through the virtual realms of the internet and digital media and compresses them into the material form of painting. In this quiet and rigorous space of decision-making, insulated from the outside world, he condenses the tension between the coldness of the computer screen and the tremor of the hand onto the surface of the canvas.
Hyounsoo Kyung(b. 1969) studied painting at Chung-Ang University and completed his graduate studies at the School of Visual Arts in New York. He has held solo exhibitions at Lee Eugean Gallery and Willing N Dealing, among others, and participated in numerous group exhibitions at venues including Arario Gallery, ARKO Art Center, and the Seoul Museum of Art.

Ahnnlee Lee begins with natural materials such as plant matter and marine remnants, transforming them into sensory structures through a range of media, including drawing, painting, collage, and sculpture. For Lee, who is drawn to gathering, collecting, and combining things, materials are deeply connected to the places and periods that have shaped the artist’s life, as well as to memory and relationships. Every chosen material and every relationship it forms carries its own meaning.
The objects and scenes Ian Lee encounters in everyday life may appear to have been found by chance, but they are in fact the result of sustained observation, filtered through memory, experience, relationships, and sensation. The graphite drawings presented in this exhibition were made while Lee was living in Paris. Circles and triangles, birds and sand, the body of an elderly person, tangerines on a table, and shells on a beach do not remain within the bounds of their observed appearances. Passing through connections among memory and language, emotion and imagination, they shift into unfamiliar forms. Viewed from a distance, the dark forms appear as solid, smooth masses. Up close, however, they reveal themselves to be composed of countless fine pencil lines. The repeated act of mark-making, sustained for months and sometimes years, condenses individual moments into a single surface. The forms appear to possess the solidity of physical matter, yet they also retain the fragility of something that could easily be disturbed by the touch of a hand. Here, form is not an image completed in a single moment, but a state reached through the accumulated repetition of small gestures and time.
Ahnnlee Lee(b. 1985) earned a BFA and an MFA from the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Lee has held solo exhibitions at Wooson Gallery and ONE AND J. Gallery, among others, and participated in numerous group exhibitions at venues including VSF in Los Angeles and HITE Collection.

For Sukyung Chung, who works with glass, an artwork is not made by the artist alone but completed together with the kiln. The process begins with meticulous preparation. She conceives the form, cuts colored, transparent, and sometimes discarded glass into precise pieces with a saw, models the arrangement, and creates molds using wax, silicone, and plaster. Once the glass enters a kiln heated above 800°C together with the mold and the door closes, however, the work leaves the artist’s hands. After passing through fire, gravity, and the unseen time within the kiln, each work comes to contain rule and chance, form and formlessness, designed structure and natural transformation at once.
Inside the kiln, pieces of glass with different densities and properties meet, press against one another, and seep into each other, leaving unexpected traces. As heat and time act upon them, chance gives rise to another order. Chung sees this process as resembling the relationships between people. The countless relationships we form with other people, time and space, objects, and nature collectively shape who we are. The traces, memories, and emotions left by these relationships have neither form nor color, but resemble waves. Chung defines this as “the beauty of relating.”
In this exhibition, Chung brings these difficult-to-describe sensations and emotional waves together with fragments of the plaster molds that entered the kiln. Arranged to form a single rhythm, the installation gives visual form to “the beauty of relating.”
Sukyung Chung(b. 1973) became fascinated with stained glass while in Russia and subsequently studied glass art in the United Kingdom and Korea, developing a distinctive sculptural language through her exploration of architectural structures and abstract forms found in nature. She earned a BA in Glass Design from Moscow Industrial Design Art University and MA degrees in Ceramics and Glass from the University for the Creative Arts and the Royal College of Art in the United Kingdom. She also completed doctoral coursework in Industrial Design at Kyung Hee University. Chung has held solo exhibitions at YÉOL Bukchonga, MONOHA, and Gallery Mosoon, among others, and participated in numerous group exhibitions at venues including Factory2 and Gallery SKLO.

《형태에 이르는 시간 On the Way to Form》은 작가의 작업이 각기 다른 재료와 과정, 시간을 거쳐 하나의 형태에 이르는 방식에 주목한 전시이다. 바라본 장면을 기억하고, 화면의 구조를 설계하며, 형태를 구상하고 틀을 만드는 데에는 각자의 분명한 방향이 존재한다. 그러나 형태는 처음의 구상만으로 완성되지 않으며, 재료의 성질과 손의 움직임, 시간의 작용에 스며든 우연적 요소들에 의해 비로소 구체화된다. 세 작가는 이러한 요소들의 상호작용을 각자의 방식으로 조율하며, 작업 속에서 드러나는 가능성을 따라 형태를 찾아간다.
경현수에게 형태는 의도적으로 받아들인 오류가 선택과 정제의 과정을 거쳐 획득한 새로운 질서로, 이안리에게는 관찰과 기억, 연상과 반복적인 긋기가 축적된 끝에 드러나는 형상이다. 정수경에게는 오랜 시간 손으로 빚어 올린 치밀한 구조물이 불과 중력, 기다림의 시간을 통과하면서 만들어낸 예측할 수 없는 결과이다. 세 사람은 각각 오류와 정제, 관찰과 축적, 설계와 기다림이라는 서로 다른 경로를 따라 형태에 접근한다. 작업실에서 가져온 집기와 도구, 작업 후에 남겨진 파편들은 이러한 시간이 작품의 바깥에도 축적되어 있음을 보여준다. 이 사물들은 작품이 만들어진 시간과 작가의 몸이 머물렀던 자세, 판단과 반복이 축적된 환경을 부분적으로 환기하는 흔적이다. 또한, 작가가 마련한 조건 안에서 아직 알지 못했던 형상과 관계를 발견하는 장소이기도 하다. 작가는 형태를 향한 방향을 설정하지만 그 과정에서 발생하는 모든 움직임을 지배하지는 않는다. 작업은 의도와 비의도, 계획과 변화, 통제와 기다림이 서로 맞물리는 시간 속에서 서서히 모습을 드러낸다.

개념적인 것 보다는 조형적인 것에 관심을 가졌던 경현수는 자연스러운 곡선을 가진 길이나 전철 노선도, 지형에서 발견한 구조를 작업의 출발점으로 삼아왔다. 그 구조들이 일러스트레이터에서 우연히 손상된 순간에, 작가는 오류를 삭제하는 대신 이전에는 존재하지 않았던 형상을 발견했다. 거대한 도로망에서 추출된 작은 데이터 조각은 반복적으로 뒤틀리고 파괴되면서 점차 원래의 지형과 무관한 곡선과 면으로 변화한다. 작가는 익숙한 추상 형식의 반복을 벗어나기 위해, 이처럼 우연한 오류를 작업의 내부로 끌어들였다. 이 디지털 이미지들은 캔버스에 옮기기 위해 날카로운 선에는 라인 테이프를 이용하고, 빛으로 구현된 모니터의 밝고 선명한 색을 최대한 화면에 구현하기 위해 물감을 덮은 뒤 다시 걷어내는 치밀한 아날로그적 공정을 거친다.
기존의 일러스트레이터 대신 아이패드로 드로잉한 이번 신작 들에는 인간의 표정을 이식해 하나의 인격을 부여했다. 인간의 표정이라는 친숙한 요소를 통해 관람자와의 거리를 좁히고 자신의 에너지가 화면에 자연스럽게 전달되기를 바라는 동시에, 그 만남에서 새로운 에너지가 생성되기를 기대한다.작가는 작업실이 그에게 단순히 그림을 그리는 공간이 아니라, 인터넷과 디지털의 가상세계에서 흘러 다니는 데이터의 파편들을 잠시 붙잡아 회화라는 형태로 압착시키는 아날로그 필터라고 말한다. 외부세계가 차단된 고요하고 엄격한 이 의사결정의 공간에서 그는 컴퓨터 스크린의 차가움과 손의 떨림 사이의 긴장감을 캔버스 표면위로 응축시킨다.
경현수(1969)는 중앙대학교에서 서양화를 전공하고 뉴욕 스쿨 오브 비주얼 아츠에서 석사과정을 마쳤다. 이유진갤러리, 윌링앤딜링 등에서 개인전을 개최하였고 아라리오갤러리, 아르코미술관, 서울시립미술관 등 다수의 단체전에 참여하였다.

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이안리 작가는 식물이나 해양 부산물과 같은 자연 재료에서 출발하여, 이를 드로잉, 회화, 콜라주, 조각 등 다양한 매체를 통해 감각적인 구조로 변환한다. 무언가를 줍고 모으고 조합하기를 좋아하는 작가에게 재료는 그가 살아온 장소와 시간, 기억과 관계에 깊이 연결되어 있으며, 그가 선택한 재료와 그것들이 맺는 관계에는 저마다의 의미가 스며 있다.
이안리가 일상에서 마주한 대상과 장면은 우연히 발견된 것처럼 보이지만, 실제로는 충분히 바라보며 기억과 경험, 관계와 감각을 거쳐 선택된 결과이다. 전시에 소개되는 흑연 드로잉은 작가가 파리에서 생활하던 시기에 제작한 작업들이다. 동그라미와 세모, 새와 모래, 노인의 몸, 테이블 위의 귤과 바닷가의 조개껍질은 관찰된 모습에 머무르지 않고 기억과 언어, 감정과 상상의 연결을 통과하며 낯선 형상으로 이동한다. 멀리서 바라본 검은 형상은 단단하고 매끄러운 덩어리처럼 보이지만, 가까이 다가가면 수없이 반복된 가느다란 연필선의 축적으로 이루어져 있다. 수개월, 수년에 걸쳐 계속된 ‘긋기’의 행위는 개별적인 순간들을 하나의 표면 안에 응축한다. 단단한 물질처럼 보이는 형상은 손으로 문지르면 쉽게 흐트러질 수 있는 연약함을 함께 지닌다. 여기서 형태는 한 번에 완성된 이미지가 아니라, 작은 행위와 시간이 거듭 쌓여 도달한 상태로 나타난다.
이안리(1985)는 파리 국립고등미술학교에서 학사와 석사를 졸업하고, 우손갤러리, 원앤제이 갤러리 등에서의 개인전과 로스앤젤레스 VSF, 하이트컬렉션 등에서 다수의 단체전에 참여하였다.

유리로 작업하는 정수경에게 작품은 혼자 만들어내는 것이 아닌 가마와 함께 완성하는 것이다. 형태를 구상하고 색유리와 투명 유리, 때로는 폐기된 유리를 톱으로 반듯하게 잘라 모델링한 뒤 왁스와 실리콘, 석고를 이용해 몰드를 만드는 세밀한 준비에서 시작된다. 그러나 유리가 몰드와 함께 800℃가 넘는 가마 안으로 들어가 문이 닫히면 작품은 작가의 손에서 떠난다. 불과 중력, 가마 속 보이지 않는 시간을 통과한 끝에 작품 안에는 규칙과 우연, 정형과 비정형, 설계된 구조와 자연스러운 변화가 동시에 머물게 된다.
이처럼 가마안에서 유리는 서로 다른 밀도와 성질을 가진 채 만나고, 밀고, 스며들어 예상치 못한 흔적을 만들어낸다. 열과 시간이 더해지는 동안 우연은 또 하나의 질서를 만드는데, 그녀는 이 과정이 사람과 사람의 관계를 닮아 있다고 생각한다. 사람과 사람, 시공간, 사물과 자연 등 우리가 맺고 있는 무수히 많은 관계들이 지금의 나를 형성한다는 것이다. 이러한 관계들이 만드는 흔적, 기억, 감정들은 형태도 색도 없이 일종의 파동과도 같은데, 작가는 이를 ‘관계하는 아름다움’이라 정의한다. 이러한 설명하기 어려운 감각과 감정의 파동을 가마에 넣었던 석고 파편들과 함께 설치하여 하나의 리듬을 이루듯 ‘관계하는 아름다움’을 시각화 해본다.
정수경(1973)은 러시아에서 만난 스테인드글라스에 매료된 이후 영국과 한국에서 유리 조형을 공부하며 건축적 구조와 자연의 추상적 형태를 탐구하는 작업으로 자신만의 조형 언어를 확장해왔다. 모스크바 산업디자인예술대학교 유리디자인 학사, 영국 크리에이티브아트대학과 영국 왕립예술대학에서 도자와 유리전공으로 석사를 마쳤고, 경희대학교 산업디자인학과 박사과정을 수료하였다. 예올재단 북촌가, 모노하, 모순갤러리 등에서의 개인전과 팩토리2, 갤러리 스클로 등에서 다수의 단체전에 참여하였다.

Ahnnlee Lee 이안리

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Hyounsoo Kyung 경현수

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Sukyung Chung 정수경

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Sukyung Chung 정수경

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Sukyung Chung 정수경

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