Choi Yoonhee (b. 1986)
Choi visualizes traces of time and flows of sensation through her own body as a tool. She internalizes invisible energies such as breath, touch, and sound, then externalizes them again through painting. Tangled lines and marks reveal shadows of deeply imprinted emotions, while rubbing and layering leave subtle textures of feeling. The canvases, built from brushstrokes, stains, and hand-erased pigments, unfold as colorful inner landscapes.
Choi studied painting at Gachon University and earned her MFA from the Korea National University of Arts. She has held solo exhibitions at A Lounge Gallery (2023) and OCI Museum of Art (2019), and participated in group shows at G Gallery (2023), Frieze No.9 Cork Street, London (2023), Daejeon Museum of Art (2023), and P21 (2020). Her works are in the collections of OCI Museum of Art, Mimesis Museum, and Gyeonggi Museum of Art.

Chung Zuyoung (b. 1969)
Chung captures ever-changing landscapes such as mountains, clouds, and shifting climates. In her 2023 solo exhibition The Climate of Painting at Gallery Hyundai, he depicted mountains, skies, and transient natural forms; in this exhibition, she presents works centered on rocks. Rocks, bearing the traces of erosion and weathering, reveal the strata of time, and Jung’s paintings likewise serve as records of accumulated time. Condensed into archetypal forms, these layers of time intersect with the act of painting itself, producing abstract meditations on temporality and existence.
Chung studied Western painting at Seoul National University, Kunstakademie Düsseldorf, and De Ateliers in Amsterdam. She is currently a professor at the Korea National University of Arts. She has held solo exhibitions at Gallery Hyundai (2023), Nook Gallery (2021), and Art Sonje Center Gyeongju (2002), and participated in over 50 group exhibitions including New Spring Project (2023), Gyeomjae Jeong Seon Art Museum (2015), and MMCA Gwacheon (2007).

Han Sungwoo (b. 1987)
Han places the beauty of imperfection and uncertainty at the center of his painterly inquiry. In earlier works, he drew on motifs from aged floral wallpapers, capturing ambiguous and double-layered forms that were simultaneously floral yet not. In this exhibition, however, he shifts focus from specific motifs to the very process of brushstroke generating brushstroke. Marks lead to further movements, forming unpredictable flows across the canvas, where traces of time and rhythms of sensation accumulate. Through repetition, revision, and improvisation, he explores tension and balance between order and disorder. These paintings emerge not as depictions of particular places, but as layered scenes of painterly moments charged with trace and sensation.
Han studied at Korea University and earned his MFA from the Korea National University of Arts. He has held solo exhibitions at A Lounge Gallery (2024) and SongEun ArtCube (2020), and participated in group shows at Helen J Gallery, Los Angeles (2023), SongEun ArtCube (2022), and Hakgojae Cheongdam (2020). His works are in the collections of Gyeonggi Museum of Art, Busan Museum of Art, and Cheongju Museum of Art.

Lim Heejae (b. 1993)
Lim’s painting extends beyond photographic representation, unfolding along threads of relationships and narratives. Elements within the canvas intertwine, evoking unfamiliar sensations, while the viewer’s gaze traces meaning in between. What matters for Lim is not faithful depiction, but the chain of events generated by traces and relationships. Her recent work ‘A Charm of Stuffed Hummingbirds’ begins with a diorama of hummingbird specimens in a museum. The interplay of wings, branches, and glass reflections signals a departure from her earlier trajectory, where precise representation heightened a sense of artificiality. Lim’s painting does not present a complete form, but remains as tension born of the oscillation between the hand that paints, the eye that sees, and the waves in between.
Lim earned both his BFA and MFA in Fine Arts from the Korea National University of Arts. She has held solo exhibitions at Onsu Space (2023) and Lee Eugean Gallery (2022), and participated in group shows at Nook Gallery (2025), WWNN (2024), and Space K Gwacheon (2020).

Park Mirae (b. 1979)
Park explores ecological forms and the narratives of life, capturing the cycles of growth and decay in plants and nature. Since relocating her studio to the East Sea and the slopes of Mount Seorak, she has encountered the rhythms of nature on a daily basis, reshaping her fundamental artistic approach. In this exhibition, she presents works that capture intangible yet perceptible flows of nature—air, wind, and waves—through brushstrokes and lines, attempting to grasp the traces of an ever-changing world. For Park, painting is not a simple representation of landscape but an attempt to record the breath of the world, suspended between the infinite and the finite, and a process of transcribing the 'language of movement'.
She studied at the Korea National University of Arts, where she completed both undergraduate and graduate degrees in Fine Arts. Park has held solo exhibitions at OCI Museum of Art (2012) and Hongcheon Museum of Art (2025), and participated in group exhibitions at Hodu Museum (2024), Hite Collection (2016), and Space K Gwacheon (2013). Her works are in the collections of the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA) Art Bank and OCI Museum of Art.

WonGi Sul (b. 1951)
For Sul, abstraction is defined by 'disorder and balance'. Lines and colors drawn without logical reason, through processes of expression, meaning, judgment, and choice, become a field for experimenting with aesthetic balance. He explains that abstraction may feel difficult because it disrupts familiarity, yet it is also a natural sensation that reveals the significance of non-verbalized perception. A recurring keyword in his work is 'flexibility', reflecting both his open disposition shaped by many years in the United States and his long tenure at the Korea National University of Arts. Sul focuses on the formal aspects of painting rather than concepts or narratives, exploring harmony through intentionally discordant colors and lines. He regards drawing not as a preparatory step but as an independent practice, using diverse materials and marks to express his values.
Sul graduated from Beloit College and earned an MFA from Pratt Institute. Since his first solo exhibition at Space Gallery in 1989, he has presented over 25 solo exhibitions, including at Lee Hwaik Gallery (2025), Museum Hodu (2023), and Lee Eugean Gallery (2022), and participated in more than 50 group exhibitions worldwide. His works are held in the collections of MMCA Gwacheon, the Seoul Museum of Art, and The Metropolitan Museum of Art in New York.

박미례(1979)는 생태적 형태와 생명의 서사에 주목해, 끊임없이 피고 지는 동식물과 자연의 생멸(生滅)을 회화로 탐구해왔다. 동해와 설악산 자락으로 작업실을 옮긴 이후, 작가는 대자연의 호흡을 일상적으로 마주하며 작업의 근원적 태도를 새롭게 자각하게 되었다. 이번 전시에서 박미례는 허공, 바람, 물결과 같은 비가시적이면서도 감각적으로 포착되는 자연의 흐름을 화면에 담아낸다. 고정된 형상이 아니라 끊임없이 움직이며 변화하는 세계의 흔적을, 붓질과 선의 몸짓을 통해 붙잡고자 한다. 작가에게 회화는 단순한 풍경의 재현이 아니라, 무한과 유한 사이에서 감지되는 세계의 숨결을 기록하는 시도이자 ‘움직임의 언어’를 옮겨 적는 과정으로 확장된다.
박미례는 한국예술종합학교 미술원 조형예술과와 전문사를 졸업하였고, OCI미술관(2012)과 홍천미술관(2025) 등에서의 개인전과 호두미술관(2024), 하이트컬렉션(2016), 스페이스K 과천(2013) 등에서의 단체전에 참여하였다. 그의 작품은 국립현대 미술관 미술은행, OCI 미술관 등에 소장되어 있다.

설원기(1951)에게 추상은 곧 '혼란과 균형'이다. 표현과 의미, 판단과 선택의 과정을 통해 논리적 이유 없이 그려진 선과 색은 미적 균형을 실험하는 장이 된다. 작가는 추상이 어렵게 느껴지는 것은 익숙함에 대한 충격이자 자연스러운 감각이라 말하며, 언어로 환원되지 않는 감각의 의미를 회화 속에서 드러낸다. 이와 함께, 그의 작품 세계를 관통하는 키워드는 ‘유연함’이다. 오랜 미국 생활로 형성된 개방적 성향과 한국예술종합학교에서 19년간 학생 개개인의 기법을 존중하는 교육 과정을 설계한 경험은 그의 작가적 태도와도 맞닿아 있다. 설원기는 개념과 내러티브가 아닌 화면의 조형성에 집중하며, 의도적으로 조화롭지 않은 색과 선을 통해 결과적으로 이루어지는 균형을 탐구한다. 특히 드로잉을 준비 과정이 아닌 독창적 작업으로 인식하며, 다양한 재료와 선의 흔적 속에서 그의 가치관을 드러낸다.
설원기는 미국 벨로이트 대학교를 졸업하고 프랫 인스티튜트에서 석사과정을 마쳤다. 1989년 공간화랑에서의 개인전을 시작으로 이화익갤러리(2025), 뮤지엄 호두(2023), 이유진갤러리(2022) 등에서 국내외 25회 이상의 개인전을 열었고, 50회 이상의 단체전에 참여하였다. 그의 작품은 과천 국립현대미술관과 서울시립미술관, 뉴욕 메트로폴리탄 미술관 등에 소장되어 있다.

임희재(1993)의 회화는 사진적 재현을 넘어서 관계와 서사를 따라가는 방식으로 전개된다. 화면 속 요소들은 서로 뒤엉키며 이질적인 감각을 불러일으키고, 보는 이의 시선은 그 사이에서 의미를 추적한다. 작가에게 중요한 것은 이미지의 충실한 모사가 아니라, 흔적과 관계들이 만들어내는 연쇄적 사건이다. 이번 전시에 선보이는 ‘A Charm of Stuffed Hummingbirds’는 박물관의 벌새 표본 디오라마에서 출발한다. 벌새의 날개, 나뭇가지, 유리 반사광이 서로 교차하는 장면은 정직한 재현을 통해 오히려 가공된 풍경의 이질감을 드러내던 이전 작업과 다른 궤도를 보여준다. 임희재의 회화는 완전한 형태로 드러나는 것이 아니라, 그리는 손과 보는 눈, 그리고 그 사이의 왕복 속 파동으로 인한 긴장으로 남는다.
임희재는 한국예술종합학교 미술원 조형예술과와 전문사를 졸업하였고, 온수공간(2023), 이유진갤러리(2022) 등에서 개인전을 개최했다. 누크갤러리(2025), WWNN(2024), 스페이스K 과천(2020) 등에서의 단체전에 참여하였고, 올해 종근당 예술지상 작가로 선정되었다.

정주영(1969)은 고정되지 않고 변화하는 풍경인 산과 구름, 기후 등의 모습을 담아낸다. 2년 전 갤러리 현대에서 개최한 개인전 "그림의 기후"에서도 산과 그의 일부, 변하는 하늘의 모습 등을 보여주었는데, 이번 전시에서는 바위를 중점으로 한 작품을 선보인다. 바위는 침식과 풍화의 흔적을 품은 채 시간의 층위를 드러내며, 그의 회화 역시 그러한 시간의 기록으로 작동한다. 축적된 시간은 원형상(archetype)으로 응결되고, 그리기는 이러한 시간과 관념이 교차하는 장(場)에서 이루어진다. 정주영의 회화는 자연의 흔적을 통해 시간과 존재의 의미를 탐구하는 추상적 사유의 산물이다.
정주영은 서울대학교 미술대학 서양화과와 독일 쿤스트 아카데미 뒤셀도르프, 네덜란드 드 아뜰리에스를 졸업했으며, 현재 한국예술종합학교 미술원 교수로 재직중이다. 갤러리현대(2023), 누크갤러리(2021), 아트선재미술관 경주(2002) 등에서 개인전을 개최하였고, 뉴스프링프로젝트(2023), 겸재정선미술관(2015), 국립현대 미술관 과천(2007) 등 50회 이상의 단체전에 참여하였다.

최윤희(1986)는 자신의 몸을 도구로 삼아 시간의 흔적과 감각의 흐름을 시각화한다. 작가는 숨, 촉각, 소리와 같은 비가시적 에너지를 몸 속으로 받아들이고, 이를 다시 밖으로 분출하는 과정을 회화로 옮긴다. 화면 속 얽힌 선과 흔적은 신체 깊숙이 각인된 감정의 잔영을 드러내며, 문지르고 흡수시키는 반복적 행위를 통해 감정의 미세한 결을 남긴다. 붓 자국, 얼룩, 손으로 문질러 사라진 색채가 켜켜이 쌓이며 형성된 색면은, 신체 내부의 다채로운 풍경처럼 캔버스 위에 펼쳐진다.
최윤희는 가천대학교 회화과와 한국예술종합학교 미술원 조형예술과 전문사를 졸업하였고, 에이라운지 갤러리(2023), OCI미술관(2019) 등에서 개인전을 개최하였고, 지갤러리(2023), 런던 Frieze No.9 Cork Street(2023), 대전시립미술관(2023), P21(2020) 등에서 수 차례 단체전에 참여하였다. 그의 작품은 OCI미술관, 미메시스 미술관, 경기도미술관에서 소장하고 있다.

한성우(1987)는 불완전함과 불확실성이 지닌 아름다움을 회화적 탐구의 중심에 둔다. 이전 작품에서는 낡은 꽃무늬 벽지에서 얻은 모티프를 따라가며 꽃이면서도 꽃이 아닌 모호하고 이중적인 형상을 붙잡았다면, 이번 전시에서는 특정한 형상에 기대지 않고 붓질이 붓질을 불러오는 과정 자체에 주목한다. 하나의 흔적이 또 다른 움직임을 이끌어내며 화면은 예측할 수 없는 흐름으로 형성되고, 그 속에서 시간의 흔적과 감각의 리듬이 켜켜이 쌓인다. 즉흥적 시작과 수정, 번복이 반복되는 과정 속에서 작가는 조형적 질서와 무질서 사이의 긴장과 균형을 탐색한다. 이러한 화면은 특정 장소의 재현이라기보다 흔적과 감각이 축적된 회화적 순간의 장면으로 다가온다.
한성우는 고려대학교 미술학부와 한국예술종합학교 미술원 조형예술과 전문사를 졸업하였고, 에이라운지 갤러리(2024)와 송은 아트큐브(2020) 등에서 개인전을 개최하였고, LA의 Helen J 갤러리(2023), 송은 아트큐브(2022), 학고재청담(2020) 등에서 수 차례 단체전에 참여하였다. 그의 작품은 경기도미술관, 부산시립미술관, 청주시립미술관에서 소장하고 있다.